ИСТОРИЯ ВОЗНИКНОВЕНИЯ ДИСЦИПЛИНЫ "АКТЕРСКОЕ МАСТЕРСТВО" В ХОРЕОГРАФИЧЕСКОМ ОБРАЗОВАНИИ

THE HISTORY OF THE DISCIPLINE "ACTING" IN CHOREOGRAPHIC EDUCATION

Dmitrii Trukhachev

Moscow state Institute of culture master^,s student, faculty of choreography

 Russia, Moscow

АННОТАЦИЯ

В статье показана история становления актерской профессии, история возникновения учебной дисциплины «актерское мастерство в хореографическом образовании». Раскрывается сложность актерской профессии, основные методики и техники работы.

ABSTRACT

The article shows the history of the formation of the actor's profession, the history of the emergence of the discipline acting in choreographic education. The complexity of the acting profession, the basic methods and techniques of work.

Ключевые слова: Актерское мастерство, хореография, актер, театр, народный театр, художественная выразительность, танец, система К.С. Станиславского.

Keywords: Acting skills, choreography, actor, theater, folk theater, artistic expression, dance, K.S. Stanislavsky system.

Большинство из нас думают о том, что актерское мастерство – это очень легкая профессия: «пришел, выучил текст и вот ты уже на вершине славы». Постараюсь в данной статье опровергнуть это высказывание. Для начала давайте определимся, театр – это искусство? Для чего вообще нужно искусство? Искусство, в том числе и театр нужны для того, чтобы подтягивать зрителей к тем идеалам, которые существуют в обществе. В театре, безусловно, присутствует педагоги­ческий аспект, аспект обучения. Давайте разберемся, что такое хороший спектакль? Раньше зритель ходил в театр смотреть на актера, сейчас мы с вами ходим смотреть спектакль. При этом необходимо помнить о том, что именно актер – это главное действующее лицо на сцене. Есть такое мнение в нашем обществе, что актеру учиться не нужно. Но у каждой профессии есть свои секреты, правила и терминология. Эту терминологию нужно не только хорошо знать, но и уметь ею пользоваться. Актера необходимо научить пользоваться актерской, театральной терминологией. Актерскому мастерству необходимо учиться, потому что это очень тяжелый труд, который требует от актеров физических и духовных затрат. Театр – это жизнь человеческой души, человеческого духа, поэтому и требует от актера полной самоотдачи.

Само слово «актер» появилось в России еще в XIII веке. Слово было позаимствовано у французов, а сами французы переняли его из латинского языка. В переводе с латинского языка актер – исполнитель. На самом деле так и есть. Актер исполняет роли в театре и кино. В современное время профессией актера восторгаются, актерами восхищаются, стараются походить на них, любят и уважают. Но так было не всегда. В XVII веке актеров считали великими грешниками.

Несмотря на то, что само по себе слово «актер» появилось в нашей стране не так давно, истоки профессии уходят в первобытное общество. В каждом племени шаманы проводили специальные ритуалы, при этом устраивали целые представления. Целью шаманов было эмоциональное воздействие на зрителей. Таким образом, произошло разделение на актеров и зрителей. Развитие театра и актерской профессии происходит далее.

В странах Востока театр был тесно связан с религией. Актерское мастерство в данном случае формируется под влиянием религиозных воззрений. Спектакли ставили в основном на религиозную, реже на мифологическую тематику.

В Древней Греции актерская профессия была очень популярна. В театральном искусстве прослеживались светские и социальные мотивы. Эти мотивы способствовали развитию актерской техники. Можно сказать, что именно в Древней Греции зародилось то сценическое искусство, к которому мы так привыкли. Каждый видный вельможа держал при себе актерскую труппу. Это было очень модным явлением. Хорошие актеры были очень популярны, их узнавали, ходили на спектакли с их участием, что порой даже не всегда хватало мест. Стоит сразу отметить, что актером в Древней Греции было не так-то просто стать. Актерское мастерство оттачивалось годами. Условия для работы были сложнее, чем у современных актеров. Театры достигали огромных размеров. Микрофонов в то время не было, но при этом зритель должен был услышать актера с любого места.

В Древнем Риме профессия актера не была такой популярной как в Древней Греции. Актерами никто не восхищался. Почет получали только те, кто добивался высочайших результатов на сцене. В Древнем Риме театр был вытеснен цирком и пантомимой.

Со временем актерская профессия перестала быть известной. В средневековье актерская профессия считалась бесовской, церковь отрекалась от актеров. Долгое время бродячих актеров преследовали и истребляли. Хотя при дворе короля на протяжении многих веков всегда были придворные шуты, которые развлекали короля и его гостей.

На Руси в средние века профессия актера также не считалась популярной. Представления давали скоморохи. Если зрелище было не по нраву, то его могли избить, разломать его музыкальные инструменты, испортить костюм. К артистам относились неуважительно. Народные актеры не были профессионалами. Можно сказать, что это были любители, хорошо знающие народные традиции. Народный театр на Руси восходил к древним охотничьим, аграрным и религиозным обрядам, к народным играм с пением, танцами ряженьем. Народный театр - явление синкретическое, в котором воедино слиты различные виды искусства или их элементы (проза и стихи, декламация и пение, искусство перевоплощения, костюмировка, бутафория и т. д.).

И только в эпоху Возрождения начало меняться отношение к театру и актеру. Но при этом долгое время еще актеров серьезно не воспринимали и не уважали в обществе.

Престижной актерская профессия стала только в конце XIX начале XX веков. В это время появляется режиссерская профессия, появляется режиссерский театр, начинают разрабатываться актерские методики, актерские тренинги. Можно сказать, что именно с этого времени начали профессионально готовить актеров.

В современное время актерская профессия стала престижной и уважаемой. Это интереснейшая профессия, которая требует колоссаль­ного труда от актера, а также и от профессионального танцора.

Современное танцевальное искусство, отличается меньшей художественной выразительностью. Техника танца постоянно усложня­ется, сами артисты стремятся к эффектности выступления, могут забывать о духовности в танце, о художественной выразительности [1].

История русской школы танца начинается в 1731 году. В этом году в Петербурге был основан Шляхетный кадетский корпус. Это было привилегированное учебное заведение. Здесь воспитанников готовили на государственные должности. Большое значение в корпусе придавали изучению бального танца, поэтому в 1734 году в качестве преподавателя танцев в корпус был приглашён Жан-Батист Ланде. Жан-Батист Ланде был известным балетмейстером и танцовщиком в Париже. Именно Ланде стал одним из основоположников профессиональ­ного хореографического образования в России.

Жан-Батист Ланде являлся профессионалом своего дела, за несколько лет работы он научил будущих государственных служащих танцевать не хуже настоящих артистов. Стоит сразу же отметить, что именно кадеты Шляхетного корпуса стали первыми артистами придвор­ного театра. У Ланде брали уроки Елизавета Петровна и Екатерина II. Ланде давал и частные уроки. Он обучал русских детей интернациональ­ному искусству, которое было опробовано и подтверждено на практике несколькими веками. Ланде совмещал сразу несколько школ танца: французскую, итальянскую и русскую. Он брал плавность от французской школы, эффектные трюки из итальянской школы и само­бытность русских танцоров. Так зарождался новый стиль исполнения, получивший впоследствии свое название «русская школа танца».

После смерти Ланде русская балетная школа утверждалась как явление национальной культуры. От русской балетной школы ведет свое начало академическое хореографическое училище имени А.Я. Вагановой. Училище находилось в Санкт-Петербурге. Артисты балета превосходно исполняли русские пляски. Стоит отметить, что одновременно с этим создавались новые формы салонно-бального танца. «Русскую пляску» и «казачок» изучали во всех казённых учебных заведениях. Отечественные педагоги, балетмейстеры и танцоры вносили много своего в репертуар, старались использовать именно русские сюжеты.

В ХVII веке Россия расширяла международные связи, знакомилась с культурой европейских стран. Особый интерес у русских дипломатов вызывал балет. Передовые умы государства признавали политическую и воспитательную роль театра. С этого времени танец приобретает светский характер. С приходом к власти Петра I меняется русский уклад жизни дворянства и боярства. В Россию вошли новые бальные танцы. Дворяне стали приглашать учителей иностранцев по бальным танцам. Учителя танцев прививали своим воспитанникам правила европейского светского обхождения. Видя значимость и целесо­образность обучения бальным танцам, Пётр I ввел преподавание бальных танцев в государственные учебные заведения. Начиная с этого времени во всех учебных заведениях, в том числе и военных, танцы становятся обязательным предметом изучения.

В 1764 году открывается Училище при Воскресенском Новодевичьем Монастыре для воспитания девушек. По-другому называли это учреждение «Императорское воспитательное общество благородных девиц». Обучение было рассчитано на восемь лет. Девушки изучали: Закон Божий, родной язык, иностранный язык, рисование, арифметику, танцы, рукоделие, голосовую и инструментальную музыку. По Уставу учреждения девушкам разрешалось расширять программы по тем занятиям, которые получаются лучше всего. С 1860 года количество часов на танцы и музыку остаётся равным количеству часов, отведённых на математику и чистописание.

Танец активно входит в быт. Возникает огромное количество частных танцевальных школ. Танцам обучали всех дворянских детей без исключения. Светскому человеку того времени как актеру было необходимо хорошо владеть своим телом. Танцы, безусловно, помогали в этом вопросе. Умение танцевать было обязательным требованием для любого светского человека. Без умения танцевать, нечего было делать на балу. Танцы имели особый воспитательный аспект.

Отказ от танцев воспринимался как вызов обществу, общественному мнению. Отказаться мог только больной или физически немощный человек. Обучение танцам начиналось с пяти-шести лет. Причиной раннего начала занятий танцами послужили сложные танцы того времени — полька, мазурка, кадриль, вальс. Такие танцы требовали от исполнителей хорошей хореографической подготовки, поэтому обучение танцам начиналось рано. К обучению танцам относились серьезно, преподаватели были требовательными и строгими. В дворянских домах часто устраивались детские танцевальные вечера.

Дети постарше, в возрасте десяти-двенадцати лет, танцевали вместе со взрослыми.

В конце XIX века в Петербургском императорском хореографи­ческом училище появился новый предмет обучения такой как народный танец. Дело все в том, что во многих балетных спектаклях того времени исполнялись народные танцы: польские, испанские, венгерские и другие. Многим хореографам не давала покоя мысль о том, что необходимо создавать систему классического танца для подготовки исполнителей русского народного танца [5].

В 90-х годах XIX в. Александр Викторович Ширяев по своей собственной инициативе разработал первые занятия, так сказать, тренинг по обучению народному танцу. Занятия Ширяева вели в старших классах Петербургской балетной школы. Нужно отметить, что на народный танец смотрели с некоторым недоверием, сам предмет считали второстепенным. Но со временем отношение к народному танцу поменялось в лучшую сторону, появились сторонники этой дисциплины.

В свою очередь, на танец оказала влияние Октябрьская революция. Народное искусство начали широко признавать. Дисциплина народного танца становится полноценной. Появляются профессиональ­ные ансамбли народного танца, поются со сцены народные песни, появляются народные хоры и другие любительские коллективы самодеятельности. И эти любительские коллективы, возникали почти во всех городах России. Они помогли вывести народный танец, народное творчество на большую сцену. Художественная самодеятельность стала неким продолжателем русской народной хореографии. Было выявлено огромное количество талантливых исполнителей русского народного танца. И теперь народный танец занимает ведущее место в репертуаре многих театров.

Вернемся в современное время. Как мы уже отмечали в начале статьи, современная хореография претерпела ряд изменений. Особое внимание сейчас уделяется техническим моментам танца. Зачастую основная задача, которую стараются достичь актеры – это добиться максимальной эффектности выступления. Безусловно, без использования средств выразительности такой танец не может затронуть души зрителей.

История развития актерского мастерства в балете достаточно богата и интересна. За долгие годы было выработано большое количество тренингов, программ, систем обучения актерскому мастерству в хореографии. Все эти программы направлены на развитие не только внешнего, но и внутреннего движения души актера. В середине XX века актерское мастерство становится одной из ведущих дисциплин в хореографии. Наиболее известными системами обучения художественной выразительности, были системы М.А.Чехова, Е.Гротовского. Но зачастую обучение актерскому мастерству в хореографии было достаточно одноплановым, когда художественная выразительность была сама по себе, а хореография была сама по себе. Дисциплина актерского мастерства для хореографов должна брать свое начало из жизни персонажа, из психологии персонажа. Нужно помнить, что в танце художественная выразительность проявляется не в движениях, а во внутренних энергиях, как считал К.С. Станиславский.

Педагог актерского мастерства в хореографии работает на стыке двух искусств. Он должен хорошо знать методики этих дисциплин и уметь органично применять их в преподавании. Педагог должен иметь представление о разных актерских школах, разных актерских направлениях и уметь сочетать разные точки зрения, направления. Все это, конечно помогает воспитать танцовщиков, которые могут исполнить любой танец.

Что такое хороший танец? Хороший танец - это какая-то история, которая захватывает внимание зрителей, заставляет переживать, сострадать. Танец - это история, в которой нет слов. Она рассказы­вается на языке пластики, на языке движений. Но для хорошего танца мало хорошей пластики, а также отличной техники исполнения. Любой хороший танец включает в себя актерскую игру. Актерское мастерство - это осмысленное передвижение по сцене, качественный звук, хороший свет, интересные костюмы и декорации. Но именно актерская игра выполняет наиболее важную роль в любом спектакле. Если в игре актера есть искренность, чувственность, естественность, то зритель, как правило, не обращает внимания на технические промахи. Но если в игре актера только лишь техника движений и пластики, даже пусть это будет виртуозное исполнение, душу зрителей таким исполнением не задеть [4].

Спектакль, как и любая другая постановка должны вызывать эмоции у зрителей. Эти эмоции могут быть негативными, могут быть положительными, это уж не столь важно. Отклик всегда должен быть, иначе постановка считается неудачной, неинтересной и плохой.

Постановка не должна строиться строго по шаблону. В спектакле должна чувствоваться новизна, свежесть мысли. Заезженные герои и персонажи никому не интересны. Исключением может быть только большая опытность актера.

Танец не должен быть монотонным, эмоции должны сменяться одна за другой. Герой должен жить на сцене. Этим еще пользовались актеры Древней Греции. Образ героя должен быть близким актеру. Актеру должно быть по душе то, что он играет. И здесь очень помогает всем известная система К.С. Станиславского, который учил как нужно правильно перевоплощаться в своего героя. Нужно стать этим героем, нужно мыслить так как этот герой, нужно жить жизнью этого героя. Только в этом случае зритель верит и доверяет актеру и только тогда спектакль можно считать успешным [3].

Актер не должен сосредотачиваться только на движениях. В игре актера органично должны сочетаться движения, пластика и внутренние переживания. Не должно быть движений «просто так», не должно быть движений ради движения. Любое движение актера должно иметь свой глубинный смысл. Без учета всех этих деталей постановка выглядит бессвязной [2].

Почему, когда мы говорим об актерском мастерстве в хореографии, мы редко вспоминаем К.С. Станиславского. Нам кажется, что его система разработана для актеров, а не для танцоров. Это совсем не так. Система К.С. Станиславского подходит любому человеку, которому необходимо выступать перед зрителями или слушателями. Очень это актуально и в современное время. Станиславский описал в своей работе естественные законы творчества, следуя которым актер может добиться высоких результатов. Именно система К.С. Станиславского положена в основу актерского мастерства, в том числе и в хореографии [6].

Вернемся к началу нашей статьи. Мы говорили о том, что очень многие из нас считают актерский труд очень легким и простым и что актеру не нужно учиться, а только лишь стоит выучить текст или движение. Проведя такой глубокий анализ актерского мастерства в данной работе, мы понимаем, что на самом деле это далеко не так. Труд актера очень сложен. Он требует от актера полной эмоциональной и физической самоотдачи, он требует глубоких теоретических и методических знаний. Конечно же, актерскому мастерству необходимо учиться. Действующему актеру необходимо продолжать учиться и трудиться и только в этом случае возможен успех.

Список литературы:

1. Буров А.Г. Труд актера и педагога. – М., 2007.
2. Гребенкин А.В. программа «Сценическое движение». – М., 2007.
3. Гиппиус С.В. Актерский тренинг. Гимнастика чувств / С.В. Гиппиус. – М: АСТ, 2010.
4. Захава Б.Е. Мастерство актера и режиссера [Текст]: учеб. пособие / Б.Е. Захава. – 5-е изд. – Москва: РАТИ–ГИТИС, 2008.
5. Красовская В.М. Русский балетный театр второй половины XIX века: Учебное пособие. 2-е изд. Балет и хореографическое искусство Санкт-Петербург Планета Музыки 2008, 688 с.
6. Станиславский К.С. Работа актера над собой, Работа актера над ролью. Собр. соч. в 8-ми тт. Тт. 2, 3, 4 М., 1954-1957.