СТАНОВЛЕНИЕ  КЛАВИРНЫХ  ШКОЛ  АНГЛИИ  И  ФРАНЦИИ

Гетьман  Виктория  Викторовна

канд.  пед.  наук,  доцент,  зам.  заведующего  кафедрой  Культурологии  и  методологии  музыкального  образования  МГГУ  им.  М.А.  Шолохова,  член-корреспондент  МАНПО,  РФ,  г.  Москва

E-mail:  nika-m19@bk.ru

Гудкова  Лариса  Александровна

аспирант  кафедры  Культурологи  и  методологии  музыкального  образования  МГГУ  имени  М.А.  Шолохова,  РФ,  г.  Москва

E-mail:  mi-fa@mail.ru

ESTABLISHMENT  OF  CLAVIER  SCHOOLS  OF  ENGLAND  AND  FRANCE

Victoria  Getman

candidate  of  pedagogic  sciences,  associate  professor,  Deputy  Head  of  the  Chair  of  Cultural  Studies  and  Methodology  of  Music  Education,  Sholokhov  Moscow  State  University  for  the  Humanities,  Russia,  Moscow

Larisa  Gudkova

post  graduate  student  of  the  Chair  of  Cultural  Studies  and  Methodology  of  Music  Education,  Sholokhov  Moscow  State  University  for  the  Humanities,  Russia,  Moscow

АННОТАЦИЯ

Статья  посвящена  анализу  развития  клавирных  школ  Англии  и  Франции.  В  работе  рассмотрены  истоки  становления  клавирного  искусства  в  западной  Европе,  выявлены  единство  и  различия  школ,  их  стилевые  и  жанровые  особенности. 

ABSTRACT

The  article  is  devoted  to  the  analysis  of  clavier  schools  of  England  and  France.  The  paper  considers  origins  of  clavier  art  establishment  in  Western  Europe  and  reveals  unity  and  differences  of  schools  and  its  stylistic  and  genre  peculiarities. 

Ключевые  слова:  музыкальное  искусство;  «клавесин»  и  «верджинал»;  клавирная  школа;  английские  верджинелисты;  французские  клавесинисты.

Keywords:  musical  art;  “harpsichord”  and  “virginal”;  clavier  school;  English  virginalists;  French  harpsichordists. 

История  развития  музыкального  искусства  Западной  Европы  в  эпоху  Барокко  (середина  XVI  —  начало  XVIII  вв.)  неразрывно  связана  с  утверждением  самостоятельной  инструментальной  культуры,  вследствие  выдвижения  светского  искусства  на  первый  план.  В  период  смены  общественно-политических  формаций  происходило  интенсивное  формирование  национального  самосознания,  что  привело,  в  том  числе,  и  к  созданию  национальных  инструментальных  школ  (итальянской,  испанской,  английской,  немецкой,  чешской,  польской,  французской  и  др.).  Одной  из  самых  сильных  и  влиятельных  в  постренессансный  период  становится  школа  игры  на  клавире,  которая  формируется  на  базе  органной  и  лютневой  культуры.

Клавир  —  это  собирательное  название  группы  клавишно-струнных  инструментов  прямоугольной  и  крыловидной  формы,  к  которым  относился  и  клавишно-духовой  орган.  Клавир  —  «гибрид»  клавишного  и  щипкового  инструментов,  который  произошел  от  органа  и  лютни.  Он  использовался  в  практике  домашнего  музицирования  с  XV  века  и  сначала  не  занимал  самостоятельного  положения,  а  служил  лишь  учебно-воспитательным  целям.  Не  имея  своего  репертуара,  для  клавира  заимствовались  сочинения,  предназначенные  для  лютни  или  органа.  К  концу  XVI  века  самыми  распространенными  видами  клавира  становятся  клавесин  и  клавикорд,  отличающиеся  друг  от  друга  способом  извлечения  звука  (щипок  и  удар),  количеством  мануалов  (два-три  и  один,  соответственно)  и  функциональным  назначением  (концертное  исполнение  или  камерное  музицирование).  Клавир  обладал  клавиатурой  и,  схожими  с  органом,  техническими  возможностями,  а  с  лютней  его  роднил  мир  образов,  орнаментика,  аппликатурные  принципы  и  тонкость  мелодических  линий.

Влияние  органного  искусства  на  клавирное  проявилось  в  выборе  композиторами  —  клаверистами  органных  полифонических  жанров,  опирающихся  на  импровизационное  начало,  а  также  использование  монументального  стиля  письма,  известного  еще  с  XVI  века.  От  лютневой  литературы  была  заимствована  народно-бытовая  жанровая  среда,  наряду  с  песенно-танцевальными  образами  и  элементами  вариационного  письма.

Как  пишет  М.С.  Друскин,  в  формировании  национальных  клавирных  школ  основополагающее  значение  имели  следующие  музыкальные  жанры:  1.  Полифонические  пьесы  (вначале  создаваемые  путем  переложения  вокальных  произведений);  2.  Пьесы  аккордово-моторного  склада  (чисто  инструментальные,  импровизационные);  3.  Вариации  (преимущественно  на  бытовые  мотивы);  4.  Танцы  (позднее  объединенные  в  сюиты)  [3;  с.  14].

Интенсивное  формирование  национальных  школ  и  развитие  клавирной  музыки  было  результатом  благоприятно  складывающихся  общественно-исторических  условий  в  ряде  западноевропейских  стран.  Самая  большая  и  влиятельная  творческая  школа  клавесинистов  сложилась  во  Франции  на  рубеже  XVII—XVIII  веков.  Однако  первыми  победами  в  этой  области  могли  гордиться  английские  музыканты,  композиторская  школа  которых  образовалась  в  последние  десятилетия  XVI  века.  Именно  в  Англии,  в  творчестве  английских  верджинелистов  (англ.  —  virginal,  от  лат.  —  virgule,  что  в  переводе,  «палочка,  стержень»),  зародился  клавирный  стиль  письма  и  было  положено  начало  сочинения  специального  репертуара  для  клавишно-струнных  инструментов.  Клавирная  музыка,  являясь  светским  искусством,  была  востребована  и  при  дворе  Людовика  XIV,  и  в  аристократических  кругах  английской  королевы  Елизаветы. 

С  конца  XVI  века  клавир  в  Англии  приобретает  положение  универсального  инструмента,  который  участвует  в  театральных,  концертных  постановках,  используется  в  официальных  церемониях  и  домашнем  музицировании.  А  «распространение  генерал-баса  способствовало  также  тому,  что  клавир  начали  широко  использовать  в  педагогической  практике»  [1;  с.  17].  В  частности,  во  Франции  на  рубеже  XVII—XVIII  веков  клавесин  становится  знаковым  инструментом,  выражающим  эстетические  взгляды  новой  эпохи  классицизма. 

Истоки  клавирного  стиля  верджинелистов  и  клавесинистов  берут  свое  начало  из  лютневого  репертуара  и  опираются  на  жанры  народно-бытовой  и  городской  среды.  Как  английским,  так  и  французским  мастерам  была  свойственна  профессиональная  разработанность  клавирных  сочинений,  и  с  композиторской,  и  с  исполнительской  точки  зрения.  Творческой  лабораторией  для  представителей  этих  школ  стали  вокально-танцевальные  жанры,  где  велись  формообразующие,  технические,  гармонические  и  фактурные  эксперименты.  Драматургия  монообразов  в  клавирных  миниатюрах  композиторов  обеих  школ  не  была  конфликтной,  и  передавала  настроение,  выдержанное  на  протяжении  всего  сочинения.  Как  в  Англии  XVI—XVII  веков,  так  и  во  Франции  XVII—XVIII  веков,  популяризация  клавесинной  культуры  способствовала  ее  широкому  распространению,  несмотря  на  то,  что  композиторы  создававшие  музыку  для  этого  инструмента,  служили  при  дворе.  Популяризация  клавишно-струнных  инструментов  происходила  и  за  счет  создания  собственной  клавирной  литературы.  А  именно,  в  Англии  —  это  были  именные  рукописные  «книги»  («Верджинельная  книга  леди  Невил»  (1591  г.),  «Верджинельная  книга  Фитцуильяма»  (1625  г.);  сборники  авторов-составителей  Б.  Козина  (1606—1622  гг.)  и  В.  Форстера  (1624  г.))  и  печатные  сборники  («Парфения,  или  Девственность  музыки,  которая  когда-либо  была  издана»  1611  г.)).  Во  Франции  издание  сольной  клавирной  литературы  связано  с  именем  Ж.  Шамбоньера,  в  сборниках  которого  впервые  представлены  образцы  клавесинных  пьес  [2].

Английскую  верджинельную  музыку  елизаветинской  эпохи  называют  первым  «золотым»  веком  клавишной  музыки  [5;  с.  41].  Композиторы  XVI—XVII  веков  (У.  Берд,  Дж.  Булл,  Т.  Морли,  Дж.  Фарнеби,  О.  Гиббонс,  У.  Лоуз,  Г.  Перселл,  Дж.  Блоу)  внесли  весомый  вклад  в  развитие  клавирного  искусства  и  создали  первую  школу  верджинелистов  (имеется  ввиду  школа  композиторов  —  верджинелистов).  Их  творчество  представлено  ранними  образцами  клавирной  музыки,  начиная  от  простейших  изложений  песен,  до  виртуозных  пьес  концертного  плана.  Английские  мастера  работали  с  органными  жанрами  —  прелюдия  и  фантазия,  писали  программные  произведения,  связанные  с  определенными  событиями  («Королевская  охота»)  или  реально  существующими  людьми  («Гальярда  сэра  Джона  Грея»);  делали  обработки  церковных  напевов  («Слава  тебе,  троица»)  и  мадригалов  («Добрый  день,  душа  моя»);  усложняли  техническими  (секвенция  в  качестве  мелодического  пассажа,  независимость  голосоведения,  фигурационное  письмо,  разработка  кадансовых  ритмических  формул)  и  композиционными  приемами  свои  сочинения,  созданные  на  темы  народных  песен. 

Новое  искусство  английских  верджинелистов  сопряжено  с  развитием  техники  фактурного  варьирования  и  созданием  инструментальных  оборотов  -  украшений.  В  связи  с  этим,  в  нотных  сборниках  того  времени  у  различных  авторов  наиболее  часто  встречаются  вариации  на  популярные  танцевальные  и  песенные  мелодии  («Эль  матушки  Уоткин»,  «Пейкингтонов  Фунт»,  «Волынка»).  Заимствование  музыкальных  источников  было  характерной  чертой  авторов  XVI—XVIII  веков,  так  как  «Опора  на  народное  искусство  способствовала  выявлению  нового,  прогрессивного  содержания»  [3;  с.  111].  Принцип  варьирования  становится  основополагающим  в  работе  и  над  композиционными  формами,  где  первостепенное  значение  имеет  понятие  «граунд»  во  всех  его  значениях:  1)  остинатная  линия  в  басу,  либо  других  голосах;  2)  композиция  в  целом,  основанная  на  такой  опорной  линии;  3)  техника  варьирования;  4)  название  пьес  [3]. 

Характерно  обращение  верджинелистов  к  различным  бытовым  жанрам,  название  которых  можно  увидеть  на  подзаголовках  многих  пьес,  в  том  числе,  «Домп»,  «Мориска»,  «Вольта».  Танцевальные  жанры  представлены  и  «старой  «парой  танцев»  —  это  павана  и  гальярда,  и  «новыми»  танцами  в  виде  аллеманды  и  куранты.  Кроме  того,  встречаются  танцы  народные  (хорнпайп,  жига,  раунд,  маска)  и  светские  (сарабанда,  менуэт,  гавот,  ригодон,  буре),  которые  также  используются  композиторами.  Однако  все  эти  пьесы  еще  не  образуют  цикла  и  существуют  как  самостоятельные  законченные  миниатюры. 

Клавесинная  музыка  Франции  —  одно  из  значительных  явлений  культуры  XVII—XVIII  столетий,  которое  и  до  сих  пор  имеет  непреходящее  значение.  Сформировавшись  под  непосредственным  влиянием  школы  французских  лютнистов  (Бланроше,  Галло,  Готье,  Ланкло,  Пинель  и  др.)  и  отвечая  запросам  придворного  этикета,  клавирное  искусство  достигло  своего  расцвета  в  национальной  школе,  которую  представляют:  Ж.  де  Шамбоньер  (основатель),  Л.  Куперен  и  его  братья,  Ж.  д'Англебер,  Н.  Лебег,  Л.  Маршан,  Г.  Нивер  Фр.  Куперен,  Ж.  Дандрие,  Ж.-Ф.  Рамо,  К.  Дакен.  Ранним  образцам  клавесинных  сочинений  свойственен  ясный  и  отчетливый  склад;  «мягкая  манера»  исполнения  с  преобладанием  мелодических  элементов;  прозрачная  фактура  с  использованием  имитаций;  большое  значение  имеет  мотивная  техника,  заимствованная  у  лютнистов;  богатая  орнаментика  придает  изящный  и  грациозный  характер  миниатюрам.  В  клавирной  музыке  Франции,  начиная  с  XVII  века,  закрепилась  практика  выписывания  —  расшифровки  знаков  украшений  и  обозначения  характера  движения  в  нотной  литературе  (Шамбоньер).  Разрабатывая  клавесинную  технику  в  жанрах  прелюдии  и  рондо,  французские  мастера  стремились  к  психологической  выразительности,  используя  побочные  голоса,  диссонирующие  задержания,  хроматические  гармонии  и  мелодически  орнаментированные  вариации  (в  «дублях»). 

Доминирующее  положение  в  творчестве  композиторов  —  клавесинистов  занимают  танцевальные  и  ариозно-песенные  жанры,  на  которых  сказалось  влияние  оперы,  балета  и  airs  de  cour  («куртуазные  арии»).  Известны  французские  композиторы  и  своими  многочисленными  переложениями  балетной  музыки,  увертюр  и  арий  из  лирических  трагедий  (Люлли,  Рамо).  Широкое  применение  парных  танцев  (аллеманда,  куранта,  сарабанда,  жига,  павана,  гальярда,  канари,  менуэт)  в  творчестве  придворных  композиторов,  привело  к  созданию  сложной  инструментальной  формы  —  сюиты,  расцвет  которой  пришелся  на  20—30-е  г.  XVIII  века.  Ведущая  роль  в  этой  области  принадлежит  Ф.  Куперену  —  автору  свободных  циклов,  основанных  на  принципе  контраста  и  сходства  пьес.  Сюиты  Франсуа  Великого,  так  прозвали  Ф.  Куперена,  состояли  из  танцевальных  (сложились  у  Фробергера  и  получили  классическую  трактовку  у  Генделя  и  Баха)  и  программных  (ранее  наметились  у  английских  верджинелистов)  миниатюр  и  назывались  “Les  Orders”,  что  означает,  «набор,  последовательность»  [6].  Его,  по  словам  Т.Н.  Ливановой,  «ювелирная,  кружевная  разработка  фактуры,  изысканная  и  прозрачная  одновременно  музыкальная  ткань,  изобилующая  интонационными  штрихами»  [4;  с.  533]  находит  свое  отражение  в  портретных  и  жанровых  зарисовках,  образах  природы  и  фантастики. 

Наряду  с  композиторским  творчеством,  не  меньшая  заслуга  Ф.  Куперена  состоит  в  теоретико-методическом  наследии.  В  частности,  им  разработана  теория  клавесинной  игры,  которая  представлена  в  его  трактате  «Искусство  игры  на  клавесине»  (1716  г.),  и  была  направлена  на  достижение  высокохудожественных  целей,  как  в  композиторском,  так  и  исполнительском  творчестве  музыкантов  [6;  с.  70].  С  именами  Ж.  Дени,  М.  Сен-Ламбера,  М.  Марсенна,  Ж.Ф.  Рамо  связан  выпуск  учебно-методических  пособий  и  трактатов,  посвященных  клавишным  инструментам.  Современники  Ф.  Куперена  развивали  свое  искусство  в  том  же  русле  творческой  школы,  предпочитая  малые  формы  вокально-танцевальных  жанров  и  сюитный  цикл  свободных  миниатюр.

Обобщая  вышесказанное,  можно  сделать  следующие  выводы:

·     клавесинная  музыка  Англии  и  Франции  становится  самостоятельной  областью  творчества,  где,  на  ряду,  с  общими  тенденциями,  формируются  индивидуальные  черты  композиторского  творчества;

·     композиторы  клавирных  школ  Англии  и  Франции  заложили  основы  профессионального  обучения  игры  на  клавишных  инструментах,  исходя  из  возможностей  этого  инструмента,  который  постоянно  совершенствовался;  —  композиторы  английской  и  французской  школ  сформировали  клавесинную  технику,  разработали  фактуру  и  фигурационное  письмо  в  гомофонно-гармоническом  стиле,  обогатили  нотную  литературу  народно-бытовыми  жанрами,  создали  специфическую  орнаментику; 

·     композиторами  созданы  учебно-методические  трактаты,  позволившие  следующим  поколениям  композиторов,  музыкантов  и  педагогов  ориентироваться  на  них  и  использовать  в  качестве  учебных  пособий  и  для  композиции,  и  обучения  игре  на  инструменте.

Для  современной  системы  музыкального  образования  анализ  эмпирического  и  историко-теоретического  опыта  этих  школ  представляет  особое  значение,  что,  прежде  всего,  связано  с  возрастающим  интересом  к  феномену  аутентичных  инструментов,  и,  соответственно,  практики  обучения  игре  на  них.  В  связи  с  этим,  приобретает  актуальность  вопрос  обращения  к  истокам,  как  необходимое  условие  понимания  основ  становления  и  развития  клавирного  искусства  как  феномена,  прежде  всего,  западноевропейской  музыкальной  культуры  и  его  дальнейшее  влияние  на  мировое  искусство.

Список  литературы:

1. Алексеев  А.Д.  Из  истории  фортепианной  педагогики.  [Текст]  /  А.Д.  Алексеев.  К.,  Музична  Украiна,  1974.  —  17  с.
2. Гетьман  В.В.  Особенности  интерпретации  клавирных  произведений  И.С.  Баха.  [Текст]  /  В.В.  Гетьман  //  Культура  на  рубеже  эпох.  Сборник  научных  трудов.  Вып.  5.  М.  РИЦ  МГГУ  им.  М.А.  Шолохова,  2009.  —  с.  3—11.
3. Друскин  М.С.  Клавирная  музыка  Испании,  Англии,  Нидерландов,  Франции,  Италии,  Германии  XVI—XVIII  веков.  [Текст]  /  М.С.  Друсскин.  Л.,  Ленинград,  1960.  —  14  с.  —  111  с.
4. Ливанова  Т.Н.  История  западноевропейской  музыки  до  1789  года:  Учебник  в  2-х  тт.  Т.1.  [Текст]  /  Т.Н.  Ливанова.  М.,  Музыка,  1983.  —  533  с.
5. Музыкальная  культура  и  искусство  Великобритании.  Часть  IV.  История  английской  музыки.  [Текст]  /  Сост.  М.А.  Андреева.  Павловск,  2013.  —  41  с.
6. Розеншильд  К.К.  Музыка  во  Франции  XVII  —  начала  XVIII  века.  [Текст]  /  К.К.  Розеншильд.  М.,  Музыка,  1979.  —  70  с.